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Actualización: Sábado 26 julio2008

Notas sobre fotografía

Fotografías con Notas

  • Reuters
  • ,
  • Lima | 24/07/2008
  • El Gobierno peruano quiere encarcelar a una bailarina que posó desnuda con la bandera
    El ministro de Defensa denuncia un ultraje y dice que pedirá cuatro años de prisión, la pena máxima por el delito de vejamen de los símbolos patrios

    El Gobierno peruano pedirá hasta cuatro años de cárcel para una bailarina que posó desnuda montada en un caballo sobre la bandera de Perú, un hecho que escandalizó al país a pocos días de la celebración de las Fiestas de la Patria.

    El ministro de Defensa, Antero Flores, declaró el miércoles que presentará una denuncia penal contra la bailarina conocida como Leysi Suárez, por "ultrajar" a los símbolos patrios tras aparecer desnuda en la portada de una revista de espectáculos sólo con un sombrero y sobre la bandera roja y blanca de Perú.

    "Es una acción irrespetuosa y una vejación a los símbolos patrios, que no pueden quedar impunes, y que ha generado la indignación de la colectividad que siente, sobre todo en estos días patrios, lo que significa el Perú y sus símbolos", afirmó un comunicado del Ministerio de Defensa. En una entrevista a la radio local RPP, el ministro Flores dijo que "el vejamen de los símbolos patrios está tipificado como delito en en el Código Penal" con una pena privativa de la libertad no mayor de cuatro años.

    "Amo al Perú y lo demuestro en cuerpo y alma"

    Perú celebrará el 28 de julio 187 años de independencia, una fecha en la que los símbolos patrios son exhibidos por ley y homenajeados por las entidades públicas y privadas del país. Flores anunció la denuncia penal contra la bailarina en una ceremonia de aniversario de la Fuerza Aérea, en la que señaló que los ciudadanos y militares de Perú "están llamados a cumplir con obligaciones y deberes para con la patria y no solo pretender que se respeten sus derechos".

    Pero la bailarina Suárez, también cantante de cumbia del grupo local "Alma Bella" parece no arrepentirse y hasta amenazó con nuevas fotos con la bandera peruana. "No temo una demanda porque no he cometido ningún delito". "Amo al Perú y lo demuestro en cuerpo y alma", aseguró Suárez.
     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

    EL CASO DE LA QUEMA DE FOTOGRAFÍAS DEL REY
    lunes, 01 de octubre de 2007

     

    ¿Secreto profesional u obediencia al juez? Qué opinan los fotoperiodistas

    Barcelona / Madrid.  Redacción.- Ante la posibilidad de ser imputado con un delito de desobediencia grave, Jordi Ribot finalmente se ha comprometido a entregar a la policía autonómica catalana todas las fotografías que tomó en Girona el pasado 22 de septiembre en el transcurso de una manifestación antimonárquica, célebre ya por la quema pública de fotografías del Rey Juan Carlos I.

    La cesión del fotoperiodista catalán, que en un principio se negó a la petición del mediático juez de la Audiencia Nacional Grande-Marlaska alegando que "no tiene por qué hacer el trabajo de la policía", ha vuelto a poner sobre la mesa el debate sobre los límites del secreto profesional.

    A falta de una concreción legal de este derecho reconocido en el artículo 20 de la Constitución española, el caso Ribot ha despertado opiniones encontradas en la profesión fotoperiodística. QUESBESDE.COM ha recogido algunas de ellas.

    Alberto Cuellar, fotógrafo de El Mundo

    "Yo sí daría la foto. Por encima de todo, está la ley, y en este caso, además, no creo que se pueda hablar de secreto profesional.

    Si fuese un reportaje de fotografía de investigación con una búsqueda de fuentes... pero en este caso, tratándose de una manifestación, creo que no."

     



    "Tratándose de una manifestación, no creo que se pueda hablar de secreto profesional."

    Jon Barandica, redactor jefe de fotografía de Público

    "En principio, me negaría, pero si el juez me lo pide... El fotógrafo de prensa es notario de la actualidad y no debe ejercer funciones del Estado. No puedo entender que nuestras tarjetas de memoria deban estar siempre al servicio del Estado, que es quien debe estar atento, en vez de obligar [a los fotógrafos] a ser policías.

    En cualquier caso, [la quema de fotografías del Rey] es un hecho trivial que no repercute ni en la seguridad nacional ni afecta a la vida de las personas.

     



    "Es un mal precedente en democracia, pues los jueces podrían convertirnos en un brazo más del Estado."

    Si por casualidad pillásemos a un tipo que ha bombardeado Madrid o a un asesino con un cuchillo ensangrentado, por supuesto que las daríamos. Pero repito que, en este caso, aunque no me parece bien que se quemen fotos ni banderas, se trata de algo trivial.

    Esto es un mal precedente en democracia. Los jueces podrían dejar a muchos fotógrafos en la cárcel [si se niegan a colaborar] y convertirlos en un brazo más del Estado, y no estamos para eso."

    Cipriano Pastrano, jefe de fotografía de La Razón

    "Un policía no puede reclamarte la foto, pero un juez, sí, y hay jurisprudencia sobre ello. La ley es clara, y aunque en este caso no tendría reparos en dar la foto, consultaría con un abogado.

    Aquí no hay secreto profesional. Es una acto público y los manifestantes saben que se les estaba haciendo fotos. Ya ha ocurrido otras veces; en el fútbol, por ejemplo, cuando hay altercados con los ultras.

     



    "Es un acto público y no hay secreto profesional, como cuando hay altercados con los ultras en un partido de fútbol."

    Tal vez estas discusiones nos podrían servir de argumento para dialogar con jueces y policías para que no nos fastidien, pero ésa es otra guerra que nada tiene que ver con ésta."

    Paco Elvira, fotógrafo (conversación telefónica)

    En sus primeros trabajos en manifestaciones en los años 70 aprendió que es básico preservar las fotografías de la policía para impedir que se identificara a las personas. Un derecho -proteger las fuentes- que, según Paco Elvira, sigue siendo básico tanto para el periodista como para el fotógrafo de prensa.

    Remitiéndose a la nota publicada recientemente por el Col·legi de Periodistes de Catalunya, Elvira considera que éste es un caso en el que puede aplicarse el secreto profesional y que, por tanto, "nunca" habría que entregar las imágenes.

     



    Nunca habría que entregar las imágenes, defiende Elvira, que teme por la jurisprudencia que podría crear este caso.

    Además, el conocido fotógrafo también muestra su temor a la jurisprudencia que casos como éste pueden crear y por la situación en la que queda el fotógrafo si se le obligar a entregar las fotografías. ¿Cómo se enfrentará a la próxima manifestación si la gente sabe que esas imágenes van a acabar en manos de la policía y los jueces?

    J.J. Guillén, fotógrafo de la Agencia EFE

    "Influye de parte de quién estés: si te parece mal el hecho [la quema de fotografías] o te parece bien. Es una cuestión personal. Yo consultaría con un abogado porque no sé hasta qué punto te puede obligar un juez y hasta qué punto tienes que darle las fotos...

     



    "Cuando jueces y policías no hacen las cosas bien, entonces dejamos de ser un estorbo y nos piden ayuda."

    Si la ley obliga, habría que hacerlo. De todas formas, cuando no conviene los fotógrafos estorbamos, pero cuando no son capaces [jueces y policías] de hacer las cosas bien, entonces sí que nos piden ayuda."

    Marta Jara, fotógrafa de Europa Press

    "Si me la pide el juez, si se la daría; si me la pide un policía, no. En otro caso, dependería de la situación.

     



    "Me parece fatal la actitud de los policías, que a veces nos impiden trabajar e incluso nos agreden y ahora nos piden ayuda."

    No obstante, me parece fatal la actitud de los policías, que a veces nos impiden trabajar, nos agreden físicamente e incluso nos exigen las tarjetas de memoria, pero cuando necesitan nuestra ayuda, bien que la reclaman."

    Julián Martín, fotógrafo de la Agencia EFE (conversación telefónica)

    "Es una barbaridad implicar a un fotógrafo en una situación como ésta", apunta el fotógrafo de la Agencia EFE. Según Martín, si se entregan las fotografías, se obliga al periodista a "tomar partido" y a "actuar como policía de la gente".

    Además, "ellos ya tienen sus propios medios", asegura refiriéndose a las fuerzas del orden, y recuerda que es práctica habitual en las manifestaciones grabar también a los periodistas que cubren el acto.

     



    "Antes borro las fotografías", asegura Julián, quien cree que el fotoperiodista debe asumir las consecuencias de su profesión.

    Aunque Julián reconoce que negarse a una petición judicial es "más difícil", considera que los periodistas tienen que decir que no. "Guardar nuestras fuentes es básico, y si uno decide dedicarse a esta profesión tiene que asumir las consecuencias. Yo me negaría siempre; antes borro las fotografías", asevera tajante.
     

    copiado de quesabesde.com
     

     

     

    Estimados

     me alegra poder comunicarles que fui invitado a exponer en Houston, en el marco de la exposición
    FotoFest International Discoveries

     La inauguración es el 25 de este mes. Wendy Watriss seleccionó la serie Las Estaciones (fotografía y haiku)

    La exposición se hará en la propia Galería de FotoFest, en Houston.

    No tengo imágenes de la misma

    Un afectuoso abrazo a todos,
    Fotografía y Haiku

    www.robertofernandez.com.uy

     

    Falleció el destacado fotorreportero 
    Félix Arencibia González

    PROMOTOR CULTURAL Y DOCENTE CUBANO

    La Habana, 14 jul (RHC) Víctima de un paro cardíaco falleció a las 8 de la mañana del día de hoy en el hospital "Calixto García" de esta capital, nuestro colega Félix Arencibia González a la edad de 68 años.

    El destacado fotorreportero, de más de 40 años de profesión, trabajó en el diario Juventud Rebelde, Estudios Revolución, Verde Olivo, en la Academia de Ciencias de Cuba y en Publicitar. Fue fundador de la Unión de Periodistas de Cuba, del Instituto Internacional de Periodismo José Martí y de su cátedra de Fotografía.

    Su obra más perdurable es la docencia de fotografía, disciplina que impartió no solo en Cuba, sino además en Bolivia y en Argentina. Buena parte de los fotógrafos de prensa de América Latina recibieron su docencia durante los cursos, talleres y diplomados impartidos en el Instituto Internacional de Periodismo José Martí y a quien la mayoría simplemente le llamaba "el Profe Arencibia".

    Por su meritoria labor mereció las medallas Félix Elmuza, Raúl Gómez García, Combatiente Internacionalista y Por la Victoria Cuba-RPA. Estas dos últimas por su misión internacionalista en Angola.

             Condolencias del El Fondo Iberoamericano de Fotografía

    El Fondo Iberoamericano de Fotografía se une a la profunda pena por la pérdida de nuestro amigo, socio fundador y gran fotógrafo; Félix Arencibia.
    Quien durante diez años, trabajó intensamente por hacer de nuestra asociación una institución reconocida y respetada internacionalmente.
    El mundo de las artes visuales está consternado por el vacío tan grande que no ha dejado, quien fuera "maestro de todos los fotógrafos"
    En nombre de nuestro colectivo de trabajo, de todos los asociados y amigos externamos nuestras más sentidas condolencias a sus familiares.
    Consejo directivo Fondo Iberoamericano de Fotografía: Isabel Mejía, Rufino Del Valle, Ramón Cabrales.
    Su cadáver se encuentra expuesto en la funeraria de Calzada y K, en el Vedado, y el sepelio está fijado para hoy a las 9:40 a.m. en la necrópolis de Colón.

    LA HABANA 14 DE JULIO 2007 Víctima de un paro cardíaco a la edad de 68 años falleció en esta capital nuestro colega Félix Arencibia González. El destacado fotorreportero, de más de 40 años de profesión, trabajó en el diario Juventud Rebelde, Estudios Revolución, Verde Olivo, en misión internacionalista en Angola, en la Academia de Ciencias de Cuba y en Publicitur. Fue fundador de la Unión de Periodistas de Cuba, del Instituto Internacional de Periodismo José Martí y de su cátedra de Fotografía. Su obra más perdurable es la docencia de fotografía, disciplina que impartió no solo en Cuba, sino además en Bolivia y en Argentina. Por su meritoria labor mereció las medallas Félix Elmuza, Raúl Gómez García, Combatiente Internacionalista y Por la Victoria Cuba-RPA. Su cadáver se encuentra expuesto en la funeraria de Calzada y K, en el Vedado, y el sepelio está fijado para hoy a las 9:40 a.m. en la necrópolis de Colón.

     

    Foto y pintura, binomio indisoluble en Frida

    Documentos recién descubiertos revelan que la artista fue una apasionada del trabajo de grandes fotógrafos y que utilizaba la imagen como iconografía de su pintura

    Miguel Angel Ceballos
    El Universal
    Miércoles 27 de junio de 2007

    En la imagen aparece un gato negro que eriza su pelo y se encorva amenazante para defenderse de cualquier peligro. La fotografía fue captada por Martin Munkácsi, famoso por registrar con lujo de detalle y gran elocuencia el movimiento. Ese mismo gato, que forma parte de la colección fotográfica de Frida Kahlo y Diego Rivera, aparece en el cuadro Autorretrato con collar de espinas y colibrí , pintado por Frida en 1940.

    Lo anterior demuestra que fotografía y pintura fueron binomio indisoluble para Frida Kahlo. Hallazgo que va a aportar elementos muy valiosos para volver a repensar su obra.

    De su padre, don Guillermo Kahlo, heredó el gusto por la imagen; por Diego Rivera, su esposo, aprendió a amar la pintura. Ambas pasiones las plasmó en una obra que ahora la ubican como la pintora mexicana más cotizada en la historia. Un cuadro de Frida se vende en alrededor de los 5 millones de dólares.

    Además, los miles de documentos que durante casi 50 años permanecieron ocultos en la Casa Azul de Coyoacán, revelan que Frida fue una apasionada del trabajo de los grandes fotógrafos del siglo XX e incluso que creó imágenes influenciada por ellos.

    Sí, Frida Kahlo fotógrafa es una historia que los especialistas comenzarán a ampliar a partir del hallazgo de imágenes de su autoría, firmadas por ella misma y en las que se puede apreciar la influencia de fotógrafos como Agustín Jiménez, Edward Weston y Manuel Álvarez Bravo. Su pasión por esta disciplina se refleja en la colección que formó con el trabajo de autores como Martin Munkácsi, Brassaï, Weston, Manuel y Lola Álvarez Bravo, Tina Modotti, Gisèle Freund y Man Ray.

    Este archivo fotográfico está integrado por 5 mil 387 fotografías que fueron propiedad de Diego Rivera y Frida Kahlo. Una pequeña parte de estás imágenes, junto con documentos, indumentaria, dibujos, publicaciones y objetos personales que permanecieron guardados durante cinco décadas sin que nadie supiera exactamente qué contenían, formarán parte de la exposición Tesoros de la Casa Azul, Frida y Diego, que estará abierta al público a partir del 6 de julio, en Coyoacán.

    Si bien se sabía que Frida Kahlo había tenido un contacto directo con la fotografía porque su padre, Guillermo Kahlo, fue uno de los fotógrafos más destacados de la historia por su trabajo sobre la arquitectura colonial y prehispánica, ahora se tiene la seguridad de que también le heredó a Frida la pasión por la imagen.

    El investigador y fotógrafo Pablo Ortiz Monasterio, quien se encargó de revisar las imágenes luego de que los especialistas de la asociación civil Apoyo al Desarrollo de Archivos y Bibliotecas de México (ADABI) terminaron de limpiarlas y clasificarlas, explica que a través de los nuevos documentos se pueden encontrar muchas afinidades entre Frida y su padre, don Guillermo Kahlo.

    "Él era un hombre taciturno, deprimido y sin duda talentoso, pero requería de apoyo cuando iba a fotografiar porque padecía epilepsia que le hacía perder el conocimiento. Había sufrido -al igual que Frida- un accidente automovilístico que le había generado la enfermedad. Yo creo que a Frida le ha de haber gustado mucho acompañarlo. Y luego en casa, en el cuarto oscuro, le ayudaba a retocar las placas; ella estaba muy familiarizada con la fotografía desde muy temprano".

    El archivo de foto tiene la particularidad de que conserva las huellas de cómo era manipulado por Frida. Muchas de las impresiones tienen dibujos, recados, besos marcados con lápiz labial, están dobladas o mutiladas, es decir, se nota que a la creadora le gustaba manifestar cuando había una relación de cariño con la persona que aparece en la imagen.

    Existe un retrato en el que están abrazadas, cachete con chachete, Frida Kahlo y Lupe Marín, las dos mujeres más importantes en la vida de Diego Rivera. La particularidad de esta pieza es que está doblada de manera vertical, como para mostrar sólo una de las dos partes.

    En otra foto aparecen una pareja de norteamericanos con Frida Kahlo y Diego Rivera. La mujer está sentada en las piernas de Diego mientras que Frida está sobre las piernas del norteamericano. Por alguna razón a Frida no le gustó esa foto y no le importó mutilarla para sacarse a ella misma de la imagen. Ese pedazo de fotografía lo habría metido en algún marquito y mandado a alguna de sus amistades, pues en esa época se acostumbraba intercambiar retratos entre los amigos.

    Ortiz Monasterio considera que Kahlo utilizaba la fotografía como iconografía de su propia obra pictórica. Un ejemplo muy notable es una imagen tomada en la Casa Azul -muy posiblemente de la autoría de Frida- en la que hay una enorme calavera de cartón acostada y con flores en la mano. "Esta figura después fue pintada por ella en uno de sus cuadros".

     

     

    LA BBC PIDE DISCULPAS POR EMITIR EL VÍDEO

    El día que Isabel II montó en cólera con la fotógrafa Annie Leibovitz por una corona

    • La cadena asegura que las polémicas imágenes fueron emitidas por error

      Imagen del vídeo de la BBC. (Foto: AP)

      Actualizado jueves 12/07/2007 21:08 (CET)

       

      ELMUNDO.ES

       

    LONDRES.- El enfado de Isabel II con la fotógrafa Annie Leibovitz a propósito de una corona fue real. Y la BBC fue testigo.

    Nunca antes los británicos habían visto a su reina tan colérica. "¡No cambiaré nada!", gritó a Annie Leibovitz antes de abandonar la sala rápidamente. ¿El motivo del soberano enfado? La fotógrafa le había pedido que se quitase la corona para posar con un aspecto más informal para una sesión con motivo de su visita a Estados Unidos el pasado mes de mayo.

    El diálogo, según publica 'The Guardian', fue el siguiente:

    -"Quizás podríamos probar sin la corona, menos elegante, ya que el vestido oficial es ya muy contundente", sugirió Leibovitz.

    -¿Menos elegante?, ¿qué te has creído que es esto?, contestó la reina claramente enfadada. "No cambiaré nada, ya he hecho bastante con vestirme así", añadió.

    La escena quedó grabada en las cámaras de la BBC, situadas estratégicamente en el salón del Palacio de Buckingham para filmar un documental.

    'The Sun' fue el primero en informar de la polémica. Según publicó, la famosa fotógrafa sugirió a la Reina que "estaría mejor sin la corona". Isabel II, de 81 años, respondió a la fotógrafa con una "mirada helada" y después abandonó el salón tan rápidamente que uno de sus empleados apenas tuvo tiempo de portar la cola de su vestido oficial, contaba el diario.

    A pesar del enfado, la soberana volvió a la sesión de fotos, informa la BBC. Y, según los críticos, se pudo realizar una de las mejores fotos de Su Majestad: sentada en una silla delante del balcón de palacio, mirando sobre Londres. Eso sí, con la corona puesta.

    Conscientes del revuelo que se ha montado, la BBC ha pedido disculpas a la reina por emitir el vídeo. Asegura, que "no se representan los hechos en la sucesión real" ya que ambas escenas fueron editadas y que ésa no es "la sucesión real de los hechos".

    En un comunicado emitido por la corporación pública británica de forma conjunta por la productora RDF, la BBC afirmó que las polémicas imágenes fueron emitidas por error, ya que no había intención de que fueran vistas ni por la prensa ni por los telespectadores.

    El tráiler fue suministrado por RDF y la BBC no sabía que incluía imágenes descartadas, según el comunicado.

    Es decir, la reina no abandonó el salón inmediatamente después de la petición de Leibovitz. Por el contrario, añade el comunicado de disculpa, la reina "no interrumpió anticipadamente" la sesión de fotos.

     

     

    FOTOGRAFÍA QUE ES ARTE

    Salgado en la Antártida: más negro que blanco

    http://www.elmundo.es/elmundo/2007/06/07/cultura/1181233753.html

     

     

    FALLECIO EL FOTOGRAFO Y PROMOTOR CULTURAL
    ALBERTO CONTRERAS
    DIRECTOR DE LA FOTOTECA DE VERACRUZ
    México


    7 de Marzo 2007

    El foro Iberoamericano de Fotografía y la Bienal de Fotoperiodismo
    lamentan la partida del fotógrafo y promotor mexicano de cultura

    ALBERTO CONTRERAS

    en un accidente de carretera en la ciudad de Veracruz la mañana del domingo 4 de Marzo de 2007

    Alberto, nacido en 1975 en el puerto de Veracruz, era desde 2005 el director de la Fototeca de Veracruz
    espacio desde el cual difundía la fotografía y en especial la cultura y los acervos gráficos de su estado.

    Descansa en Paz Alberto

     

    FOTOCONVERSACIONES CON EL TIEMPO

    Taller de Fotografía de la Escuela de Artes, campus Ensenada.

    "Hemos encontrado al enemigo:
    éramos nosotros mismos".
    Proverbio Adriánico.

    ¿Fotoantropología de la Miniserie?

    El movimiento no se mueve, permanece, así la duración de vuelve garantía en el Arte. La fotografía precisa objetivos, salta obstáculos, se detiene y detiene, entonces recoge preciosidades o precariedades.
    Veamos nuestro álbum: las espinillas de Archie, las menstruaciones de Verónica, la valenciana del Oso Yogi, el copete de Kung Fu, bonanzas encubiertas en el Gran Chaparral de Daniel Boone y Lassie, la húmeda sonrisa de Flipper por las Calles de San Francisco, los desplantes anémicos de Mannix y las tribulaciones gastronómicas de Cannon, el desnudo psicológico de Dimensión Desconocida, Daktari, Tarzan, la Familia Patrick, la Familia Adams, la Familia Monsters... ¡Cerrémoslo! Horror inútil, clonación social, fotoantropología de la miniserie.
    Del Morning Cartoons a la Universidad Autónoma de Baja California se abrió una ruta alterna, un nuevo pasaje seductor, un Prime Time Drama. Con el Taller de Fotografía que ofreció la Universidad se bifurcó la senda replicante de la luminosidad televisiva, y la comunidad ensenadense tuvo la oportunidad de operar los nítidos oficios de la luz en forma de arte... ¿Será por Siempre en Domingo que odiamos los domingos? ¿Será porque hay Universidad que nos volvemos universales?
    Hacedores y verdugos, el Taller de Fotografía recicla implicados. Escrituremos la luz. Lista primera: Alberto Gruel, Cony Sigüenza, Ivonne Pavía, Pedro Meyer, Tomas Castelasso, Héctor García Mejía, Edward Weston, David Hopps, Jorge Calderón, Brassai, Hugo Vidaña, Manuel Álvarez Bravo, Enrique Botello, Graciela Iturbide, Ricardo Magaña, Alfonso Cardona, Joel-Peter Witkin, Octavio Meillón, Enrique Fuentes... ¿Quiénes son? ¿Qué diablos hacen?

    II

    ¿Quiénes son?

    Los que son más alemanes que Hitler se levantan muy temprano y votan puntualmente en las elecciones, luego juegan a realizar fotocrónicas de alto contenido social. Los que nacieron en el dulce mes de diciembre viven armados y pagando una cámara digital a crédito. Uno roba mis poemas, me da de beber licor y hace que se los recite ebrio por teléfono a sus amantes que luego se enamoran de mi. Otros, ya desenamorados del paisaje, sólo utilizan la naturaleza para sobrevivir. De la magnífica Pentax a la inestable era digital, muchos de ellos engañaron a sus mujeres, ganaron premios importantes y otros no tan importantes (no merecían la inversión del material), todos compraron carros que se descompusieron, eligieron mercados donde hacer sus pagos de luz y agua, y los que continúan neciamente haciendo retratos, muy pocos sostienen ya ideas que los aparentaban rebeldes en las clases. Hay quienes hicieron de sus cámaras anzuelos y ahora les sigue una procesión de peces desvelados, y otros que apuntalaron sus cámaras como pirámides se olvidaron de los rostros de la tierra. Todos continúan con sus estúpidas borracheras escandalosas frente al televisor, renegando de Dios, la mujer, los hijos y la mugrosa programación. La tardanza de los OVNIS y Perdidos en el espacio son el tema principal de sus pláticas, y muchos, como en los mejores tiempos, les van al Padres de San Diego odiando a los Dodgers de Los Angeles. Ya nadie recuerda a los Chargers y que las cebras nacieron en Tijuana. La mitad muestra la mentira como verdad, la otra mitad muestra la verdad como mentira. No digo más, no soy fotógrafo: sólo he sido conejillo de indias de cada uno de ellos. Testifico que cada uno surgió del Taller de Fotografía (ayer parte de Extensión Universitaria, ahora de la Escuela de Artes), reconociendo como leales a quienes, como hijos pródigos, regresaron a dar clases y a propulsar, con sus innegables talentos digitales, el proyecto que dio origen a esta mecanizada comunidad de luces y sombras.

    III

    ¿Qué diablos hacen?

    No lo sé... A principio de los 80's las profesiones del Arte, entre ellas la fotografía, extendían la duración del conocimiento en el escenario de las humanidades, incrementando sabiduría y caos, nostalgia y experimentación, lágrimas y risas, realidades alternas y mentiras politizadas. La vida no ha cambiado, sólo le ha dado cabida a la tecnología en su seno de miseria y lentejuela. ¿Qué diablos hacen los fotógrafos? No lo sé...
    Cirujanos del espacio, los fotógrafos domestican al tiempo en un marco. Hacen lo que hacen y yo los observo gozar en su free Play. Va y vienen a Bienales, se reencuentran cada dos años en Fotoseptiembre, coquetean con el American Way of Life, con los partidos de derecha (los de centro izquierda son lo mismo) y el Cervantino, a través del CECUT, los acoge y los eleva a la fama y al reconocimiento nacional e internacional. Esos son mis amigos, que orinan su luz en cualquier parte, marcando territorio, para que yo escriba y describa desenfadadamente sus miradas de suaves astronautas dormidos...
    La luz se expande como la hiedra y sus filamentos magnetizan las resonancias del espacio para volverlo tiempo. En un desplante de competividad sostenida, los fotógrafos ridiculizan todos los tratados de inercia y telekinesis. El cine alza las cejas, pero la luz de mis amigos es emprendedora como una enfermedad. "La historia de la fotografía -agrega Joan Fontcuberta-puede ser contemplada como un diálogo entre la voluntad de acercarnos a lo real y las dificultades para hacerlo". Siempre un puente, y no sé de qué lado de la orilla quiero ir o quieren ir ellos, los fotógrafos de mi generación, los que crecieron con la Pequeña Lulú, Pepita y Lorenzo, los Tigres de Ensenada, Dallas, Miami Vice, Kalimán, Saturday Night Live, Hawaii 5-0, Don Gato, la Bolera, el Cine Anza, Kodak y los Tacos Marú...

    RAEL SALVADOR
    Noviembre 2005

     


    Sebastiao Salgado capta la pureza del planeta

    http://news.bbc.co.uk/hi/spanish/international/newsid_6173000/6173789.stm

     

    Carta de Felicitacion enviada por correo electronico

    4 octubre 2006

    Felicitaciones
    s

    Para La Escuela Activa de Fotografía Nueva Dimensión y su gran Maestro Carlos Amérigo


    Nada mas felicitando realmente el trabajo realizado, ayer navegando la pagina web y me di el tiempo de disfrutar detenidamente todas y cada una de la series y trabajos fotograficos que existen en la pagina y quede realmente asombrado con la creatividad general y la tecnica de los alumnos, puedo notar el incentivo que se les da para esforzarse al maximo en la realizacion de series, en la busqueda de composiciones diferentes, tecnicas y temas. Siento que ha habido mucho avance en este sentido desde el tiempo que tuve el honor de ser parte de la escuela, sin desvalorar para nada los trabajos de los compañeros de aquellos años, he sentido al apreciar estos trabajos de los ultimos alumnos un gran avance en la calidad de sus fotografias y presentacion de la series en general. Me ha llenado de felicidad y orgullo, volver a sentirme otra vez por un momento parte de esa maravillosa escuela, donde se potencia la apertura no solo del lente, si no tambien del ojo, la mente y el corazon, y esto se ve reflejado en las variedad de series que hay en esta web que la encuentro excelente, aprovecho de felicitar tambien al diseñador del Web, por su excelente trabajo en la mantencion y realizacion, me gusta mucho la variedad de fondos y colorido, que hacen mas amena la visita. Quiero felicitar a los alumnos por sus excelentes trabajos, es bien dificil poder mantener la constancia en la fotografia, sobre todo cuando no hay dinero de por medio, que por favor no se pierdan, sigan intentando he inventando, ¡excelente trabajo!, tambien enviar un abrazo enorme al Maestro Carlos, darle las gracias por todas sus enseñanzas fotograficas que siguen reflejadas en mi trabajo y en mi vida. Felicitarlo tambien por sus series fotograficas del web, tan prolijas y ejemplares en su estilo, me fascina la de "Los fotografos y Yo", ha sido todo un orgasmo visual esta visita a la pagina, siga Adelante Nueva Dimension marcando la diferencia en el metodo de enseñanza, en repartir la fotografia por la gente, creo que hace un aporte subliminal a este pinche mundo a veces tan jodido, esa energia por lo menos se reparte en los que la sabemos detectar, y veo que somo varios, eso es muy emocionante, mis respetos por ese ejmplo, creo que las imagenes hablan por si solas.
     
    Un Abrazo eterno con mucho amor a todos los que hacen posible esta escuela...
     
    Jorge Amérigo
    Un ex-alumno
     

                    El "caos" del fotógrafo Josef Koudelka

     

    Ordenando un mundo contradictorio

     

    László Erdélyi

    "LA DEVASTACIÓN es fotogénica" dijo el fotógrafo checo Josef Koudelka. Alcanza con ver la reedición actualizada de su último libro, Chaos, recién lanzado por la editorial Phaidon. Es grande, con el formato que en el Primer Mundo suele llamarse "coffee table book", un libro para leer en la mesa del café. Con sus 30 cm de alto por 42 cm de largo en tapas duras, parece una mampara antes que un libro. La razón es simple: el formato panorama de las fotos, todas en blanco y negro, y sobre todo tendiendo al negro, dejan frente al lector imágenes alargadas, ya sea horizontales o verticales. Que se leen de izquierda a derecha, o de arriba a abajo. Son en general paisajes envenenados, el detritus de la sociedad posindustrial en Bosnia, Grecia, Polonia, Los Angeles, Beirut, Crimea o Praga. Casi no hay gente, pero esto es lo que la gente dejó. Un libro grande, un gran desastre.

    Chaos marcó otro punto alto en la creación de Koudelka, considerado uno de los grandes maestros de la fotografía del siglo XX. Maestro que alcanzó la fama igual que otros colegas, por estar en el momento justo con el obturador preparado. Josef Koudelka estuvo en las calles de Praga cuando la famosa Primavera de 1968, donde los tanques soviéticos entraron y pisotearon los sueños de libertad de los checoslovacos. Estuvo, registró, y el sueño no murió.

    FAMA Y EXILIO. Nacido en Checoslovaquia en 1938, Koudelka practicó la fotografía desde temprano, y trabajó profesionalmente para compañías teatrales y revistas de Praga. A partir de 1962 se embarcó en un proyecto personal de largo aliento registrando a los Gitanos de Checoslovaquia. La curadora checa Anna Farova notó el talento, y le mostró el trabajo a Allan Porter, editor de de la revista Camera (Suiza) y al legendario John Szarkowski, curador de fotografía del MoMA de Nueva York. Las primeras fotos de esta serie, que Koudelka finalizó en 1970, se publican en Camera en 1967. El poder que emana de las miradas de esos gitanos es demoledor. Son niños, viejos, bodas, músicos, funerales. Con todos establece comunicación y logra que las fotos registren la realidad como él quiere. Porque no es un documento, es un paso más allá de la fotografía documental. Es la deliberada intervención del fotógrafo para tensar caras, encuadrar objetos, establecer delicadas y precisas relaciones entre esos objetos, y una notoria complicidad con los sujetos fotografiados. La propia Anna Farova supo decir que Koudelka "no fotografía la realidad tal cual es, sino como la imagina y la siente".

    Pero los acontecimientos romperían esa magia. Las tensiones dentro de la Checoslovaquia comunista pronto harían eclosión, la gente quería democracia, partidos, y prensa libre. Corría 1968 y los checoslovacos querían un "socialismo con rostro humano", cosa que el bloque soviético no veía con buenos ojos. El 20 de agosto los vecinos dijeron basta. Tropas húngaras, polacas, alemanas del este, búlgaras y sobre todo soviéticas irrumpieron en Checoslovaquia, encontrando una resistencia pasiva que pronto fue controlada. Los tanques y las tropas entraron a Praga, mientras la población sólo atinaba a cambiar o extraviar las señales de tránsito para marear a los invasores. Entre todos los fotógrafos que registraron las escenas estaba Josef Koudelka, que allí presenció una realidad que no podía modificar, aunque quisiera.

    Vio, entonces, a un joven estudiante parado frente a un tanque ruso lleno de soldados, abriendo su camisa y ofreciendo su pecho desnudo. "Disparen" decía, con toda la tragedia dibujada en su cara, mientras los soldados lo miraban desconcertados. Registró ese instante, como tantos otros instantes trágicos de esos días. Koudelka no fue el único, pero sí fue quien pudo filtrar a Occidente los preciados rollos de 35 mm. La Agencia Magnum se encargó de distribuirlas entre los diarios y revistas del mundo libre, convirtiéndose en uno de los documentos históricos más reveladores del desastre político que fue el comunismo soviético. La identidad del fotógrafo fue mantenida en el anonimato, y por razones de seguridad Koudelka obtuvo el premio Robert Capa en forma secreta. Recién en 1970, cuando logra escapar a Inglaterra y más tarde radicarse en Francia, disfruta de estos logros.

    Comenzaba el exilio que tanto marcaría la obra de Koudelka. Ingresó a la Agencia Magnum como asociado en 1971 y como miembro pleno en 1974. Pertenecía a una elite indiscutida, y aun así marcaba su independencia, pues no aceptaba encargos. Prefería vagar por el mundo registrando algo que sentía que se estaba perdiendo. Se estaba gestando otra etapa en su vida. Los gitanos habían quedado atrás.

    EN EL EXILIO. El libro Exiles (1988) abre con una fotografía simbólica: una toma del antebrazo del fotógrafo mostrando su reloj pulsera, con el fondo de un bulevar vacío de Praga. La fecha: 1968. La hora: el mediodía. Algo está terminando, y algo está por comenzar.

    Aquí Koudelka muestra ya la influencia de otro grande de la fotografía, Robert Delpire, editor también de Robert Frank. Se nota por el distanciamiento emocional de los sujetos, muy a la The Americans de Frank. No hay empatía como sucedía con los gitanos. Hay soledad, abandono, alienación. Cuatro irlandeses hacen pis contra la pared en un baño público en la fotografía Ireland, 1976. Cada uno apoyado contra la pared evitan mirarse, y están todos juntos. Una situación normal, pero que grita a los cuatro vientos que la soledad, aun en la "normalidad", es alienante. Mejor huir.

    La crítica ha insistido en la teatralidad de estas imágenes, algo que Koudelka arrastraría desde sus épocas de fotógrafo de teatro. Es teatralidad como clima, como puesta en escena, como tensión permanente. La trama que Koudelka teje dentro del encuadre parece que va a estallar en mil pedazos en la cara del lector. Porque en esas imágenes hay violencia. Y también hay muerte.

    Pero sobre todo hay tristeza. El escritor polaco Czeslaw Milosz, en una introducción escrita para el libro Exiles, explica que "el exilio nos priva de uno de los puntos de referencia que nos permite hacer proyectos, elegir nuestras metas, organizar nuestras actividades". En un país nuevo el exiliado está perdido, no tiene vínculos, amistades, relaciones. Sin embargo esa inhabilidad de sentirse en casa, la opresión del expatriado, del refugiado, del inmigrante, tiene para el artista una ventaja: una mejor visión del mundo. Milosz entiende que "para expresar la angustia existencial del hombre moderno, uno debe vivir en una suerte de exilio de algún tipo". Porque el hombre mira entristecido la pérdida de su origen, igual que el exiliado. Y lo perdido se idealiza, es bellísimo, por la sencilla razón de que se ha perdido para siempre.

    Pero al fin y al cabo son hombres que hablan de soledad, del duro camino de las renuncias, de la búsqueda de un destino que no llega, escribe Robert Delpire. "Y todavía, hombres. Pero en Chaos ya no hay más hombres".

    EXPLICANDO EL CAOS. Luego de Exiles, Koudelka deja el formato 35 mm y pasa al formato Panorama. Comienza a recorrer los paisajes desolados, contaminados y pauperizados de un mundo posindustrial y posmoderno que se deleita en mostrar el desorden, la desconexión, la desintegración. El caos servido en bandeja que Koudelka busca ordenar, explicar. Fueron trece años de vagabundeo errático por las ruinas del mundo civilizado, cuyo resultado, también, de la mano de Robert Delpire, llegó por primera vez a manos de los lectores en el 2000.

    Llama la atención la ausencia de hombres. "Si aparecen, es porque aparentan haber perdido sus sentidos. Yacen semidormidos al pie de una pared. No hay más pájaros. La tierra está envenenada. El mundo se ha convertido en algo mineral. Sólo quedan residuos de la vida anterior" cuenta en la introducción Robert Delpire. "Josef, ¿sabes por qué no hay más hombres en tus últimas fotos?" pregunta retóricamente. "Sí, él sabe que no hay, o al menos no muchos. Pero le encantan los espacios vacíos, las grandes llanuras, las minas abandonadas, las fábricas donde una máquina reemplaza a cien trabajadores, áreas abandonadas. Y sobre todo, espacios vacíos donde prefiere estar solo".

    Lo paradojal de esta fotografía de Koudelka es que, a partir del caos, obtiene composiciones de un vigor ejemplar. Mira, encuadra, elige, y click, hizo la elección, estampó la imagen, su imagen, su "arreglo" de la realidad. En Bosnia, 1994, la vereda parece romperse en varios planos, la flecha de la señal de tránsito mirando hacia el cielo (igual que en Praga 1968, hacia donde no debe) con las cicatrices de un tiroteo, y al fondo se distingue lo que queda de un edificio. El lector sabe que allí hubo una guerra en la cual los civiles fueron el blanco predilecto, tanto de tropas xenófobas como de francotiradores cobardes. Koudelka sabe que el lector sabe, y juega con ello. Porque allí ocurrieron actos de terror que vaciaron las calles. Y se las dejaron a Koudelka. El vigor composicional que emana de esa imagen, que parece querer despegar hacia un mundo mejor pero que no puede, es exquisito. "Más allá de toda esa destrucción, más allá de todo ese desorden de líneas, de esas paredes colapsadas, allí crece una armonía, un balance que no puede tener su origen en la guerra, en la polución, o en la disolución de las cosas; ese orden le corresponde a él", escribe Delpire.

    En Nord-Pas-du-Calais, 1989 también se ve el caos, sobre todo en las oscuras y largas sombras que acompañan el formato panorama. Aparece con claridad el efecto del nuevo formato, a medio camino entre el cine y la fotografía, una foto extendida, con principio y fin, con relato. Pero no es cine, es fotografía, composición deliberada que juega con la mirada del lector. "Miren esos bloques de concreto cuyas masas están organizadas rítmicamente" agrega Delpire. "Por cierto que conforman un amontonamiento, una acumulación de piedras lanzadas aparentemente al azar sobre la orilla del mar. Pero el desorden es negado por la versión fotográfica de Koudelka. Sí, este orden es suyo".
     

     

     

    Presentación de un libro
    Imágenes Caminantes

    Leo Barizzoni

     martes 15 a las 19.30hs

    Alianza Francesa de Montevideo

     

     


    Falleció fotógrafo mexicano
    Adolfo Patiño "Adolfotógrafo"

    visiten esta pagina donde esta bien descrito el
    http://www.zonezero.com/magazine/obituaries/adolfotografo/adolfotografosp.html
     

    MICHIEL MUNNEKE, DIRECTOR DE WORLD PRESS PHOTO

    "Las buenas fotos preguntan"
    Soy director de World Press Photo (WPP): hace 50 años que premiamos el mejor fotoperiodismo de todo el mundo. Creemos que las mejores fotos dotan de dimensión humana a lo que sucede. Este año hemos recibido más de 20.000 originales de 123 países. Si el fotógrafo es capaz de documentar la realidad con talento, su trabajo planteará preguntas que obligarán al lector a repensar lo que ve LLUÍS AMIGUET - 02/10/2005

    -¿Qué valoran cuando juzgan una foto?
    - El fotógrafo debe documentar in situ lo que el lector no puede experimentar porque no está allí. Por eso creemos que la mejor foto es la que da dimensión humana a lo que ocurre.

    - Por ejemplo.
    - La foto que premiamos este año del tsunami, en el que se ve a una víctima llorando, lee a escala humana una catástrofe natural de unas dimensiones tales que ponen a prueba nuestra concepción del mundo.

    - ¿Cuál es su foto favorita de todos los tiempos?
    - ¡Buf...! He visto miles...

    - ¡Vamos, dispare, equivóquese!
    - Yo creo que es la de aquel joven estudiante chino que se plantó ante un tanque en Tiananmen.

    - ¿Por qué?
    - Porque su valentía y coraje ante la tiranía fue un gesto desesperado, pero no inútil, de algo tan específicamente humano como el ansia de libertad.

    - ¿Quién era aquel estudiante? ¿De dónde salió tanto valor?
    - Le ha hecho preguntarse algo. Esa es otra virtud del buen fotoperiodismo. No es un manifiesto, no es un panfleto, no da respuestas: plantea preguntas y nos obliga a cuestionar convicciones que creíamos firmes. Nos sacude, nos inquieta y nos sitúa desde esa inquietud en la realidad.

    - ¿Qué otras historias han premiado este año y por qué?
    - Como le decía, la foto premiada es la de una mujer que reconoce el cuerpo de un familiar entre los que trae un barco de ayuda tras el tsunami.

    - Sufrimiento.
    - Y el jurado también ha valorado que se trata de un prometedor fotógrafo hindú. La foto está hecha allí por los de allí. No es un caso más de enviado especial de un diario occidental que documenta la catástrofe.

    - ¿Cuál es la segunda mejor historia?
    - Este refugiado económico de Shangai. Los suelos se han encarecido tanto en China que los ayuntamientos deportan a las comunidades que lo ocupan a nuevas áreas a 50 y 60 kilómetros del centro. El proceso desarraiga a millones de personas y acaba con culturas milenarias. De hecho, el PC Chino ha planeado ya la deportación de 400 millones de ciudadanos para poder liberar suelo.

    - ¿Quién ocupa ese suelo?
    - Multinacionales y las fábricas de los nuevos grandes empresarios chinos en connivencia con el Partido. Esta foto, de nuevo, pone cara y ojos de víctima al crecimiento desaforado chino que nos fascina en Occidente... Como estas otras.

    - Parece la reedición china de ´Tiempos modernos´ de Chaplin.
    - Son auténticos ejércitos de obreros. Fíjese en la disposición marcial, cómo forman antes de empezar a trabajar.

    - Dispuestos a todo.
    - A morir y a caer mutilados en la batalla de la productividad a bajo precio. Cada día en estas fábricas chinas y sólo en esta provincia 27 obreros padecen alguna amputación por una máquina.

    - ¿Y esta mujer? ¡Está esquelética!
    - Moda. Es un desfile de modelos en París.

    - ¡Cuánta tristeza, pero cuánta belleza en estos rostros de ébano!
    - Son refugiados de Darfur. Han muerto ya 150.000 personas en esta tragedia, pero el mérito del fotógrafo ha sido aquí ser capaz de captar también, la nobleza de estos seres humanos que luchan por sobrevivir.

    - Este militar conserva también la nobleza, pero no la cara.
    - Es el sargento Joseph Moner de la Infantería de EE. UU. Fue alcanzado por una bomba en Bagdad y perdió su rostro y parte del cuero cabelludo, pero es cierto que sus ojos conservan toda su dignidad que ha sido puesta a prueba por la desgracia.

    - Estos otros soldados también han sufrido amputaciones...
    - Son otros tantos militares heridos en Iraq.

    - ¿Por qué no se publican estas fotos más a menudo?
    - Por eso las hemos premiado. Obligan a hacerte preguntas.

    - ¿Quién paga estas exposiciones?
    - Somos una ONG que este año celebra medio siglo de historia con sede en Amsterdam y financiada por 54 patrocinadores. Nuestra exposición anual de las mejores fotografías puede verse cada año en 80 ciudades de 40 países. La única condición para poder exhibirlas es que no exista ningún tipo de censura.

    - ¿Sólo exhiben fotoperiodismo?
    - Tenemos 12 categorías: actualidad, gente, deportes, temas contemporáneos, vida cotidiana, retratos, naturaleza y arte y entretenimiento, entre otras. Son categorías lo bastante amplias como para que este año hayan participado 4.266 fotógrafos de 123 países.

    - ¿Cualquiera puede concursar?
    - Solamente los profesionales de la fotografía, pero es interesante que lo mencione, porque tenemos el proyecto de incluir también fotos de amateurs: al fin y al cabo también los grandes diarios de todo el mundo lo estánempezando a hacer.

    Tomado del periódico La Vanguardia:
    http://www.lavanguardia.es/web/20051002/51194299642.html

     


    "Me decidí a utilizar la fotografía para contar historias"

    Don Rypka


    El reportero gráfico norteamericano finalista del premio Pulitzer, que hoy vive en Argentina, disertó en Rosario

    Eugenia Langone / La Capital

    La experiencia de pasar como soldado por la Guerra de Vietnam lo acercó a la fotografía por primera vez y, desde allí, no hizo otra cosa. "Es que después de eso sólo podía pensar en buscar la manera de contar las cosas horribles que pasan, de contar historias. Y eso hago con mis fotografías", confesó el fotógrafo norteamericano Don Rypka, el hombre que en enero de 1981 capturó con su cámara el momento en que el entonces presidente de Estados Unidos Ronald Reagan sufría un atentado y esa imagen le valió una nominación al premio Pulitzer un año más tarde. Asegura que en 30 años "la fotografía no cambió conceptualmente" y que los avances tecnológicos sólo le permiten tener "más tiempo para trabajar". Y así como destaca que Vietman cambió su vida, dice en su todavía acentuado castellano que "hay fotografías que lograron cambiar el mundo y la realidad".

    Nacido en Estados Unidos y radicado en Argentina desde 1987, Rypka estuvo en Rosario en el marco del VII Congreso Redcom Argentina, que se llevó adelante en la Escuela de Comunicación Social de la Universidad Nacional de Rosario (UNR). Todavía en su país, cubrió las presidencias de Richard Nixon, Jimmy Carter, Ronald Reagan y George Bush (padre), y ya en la Argentina trabajó primero como free-lance para medios y agencias internacionales, y más tarde como editor de medios gráficos nacionales. Actualmente es docente y miembro fundador de Sudacaphotos, una cooperativa de fotoperiodistas que intentan a través de sus reportajes mostrar Latinoamérica al resto del mundo.

    -En el congreso participó de un panel sobre el debate de la fotografía entre el documentalismo y las artes visuales. ¿Cómo se posiciona usted?

    -La verdad es que ese debate para mí ya no existe. La fotografía es una disciplina que implica herramientas, soportes y procesos. Y todo pasa por las decisiones que tome el fotógrafo porque él decide la foto, decide la exposición, decide el encuadre. Por eso, digo que no hay debate porque al haber decisiones tomadas por una persona, no se puede hablar de fotografía como documento. La fotografía tiene muchas funciones en la sociedad: sirve para la identificación, sirve a la cuestión periodística y a la artística. O sea, es una disciplina con un montón de aplicaciones.

    -¿Cómo se define: fotógrafo, reportero gráfico, artista?

    -Me decidí a utilizar la fotografía para contar historias. Y eso, no es sólo estar en un lugar, sino estar en todos los sentidos: conceptualmente, emocionalmente y físicamente.

    -¿Cómo es la relación entre su paso por Vietnam y su llegada a la fotografía a la que siempre hace referencia?

    -Yo tenía 18 años, había terminado el secundario, y pensaba en ser arquitecto o economista; pero llegó la Guerra de Vietman. A esa edad, de repente, me encontré en medio de un conflicto que fue sangriento y violento. Todo eso cambió mi vida y cuando regresé a casa no pude pensar en nada más que en buscar la manera de contar las cosas horribles que estaban pasando, de contar historias. Y eso hago con mis fotografías.

    -¿Qué efectos tienen en las condiciones de trabajo las nuevas posibilidades que brinda la tecnología digital?

    -No creo que haya habido cambios conceptuales. La tecnología no es más que un nuevo soporte, y punto. La mayoría de los fotógrafos que utilizan sistemas digitales pasan mucho tiempo mirando la pantallita y se olvidan que están haciendo fotos. El fotógrafo tiene que mirar por la cámara y no por la pantallita. De todas maneras, para mí la nueva tecnología significa rapidez, eficiencia y bajos costos, me da más tiempo para trabajar e imprimir, y mejor calidad.

    -¿Qué opina entonces de fotografías, incluso caseras, que sirvieron para documentar hechos que de otra manera no se hubieran conocido, como las torturas a los prisioneros iraquíes?

    -Hay coberturas donde están todos los medios y de allí salen fotografías que son documentos testigos que tienen valor en el marco de las noticias que tiene alrededor; pero no son fotografías que cambien la realidad.

    -¿Hay fotos que lograron cambiar la realidad?

    -Claro que hay fotos que cambiaron el mundo. La foto de Eddie Adams, donde se ve a un oficial de Vietman del Sur ejecutando en medio de la calle a un oficial del Viet Cong; la foto de Nick Ut, de 1972, de la niña corriendo desnuda quemada por napalm en Vietman; e incluso la foto de la Tierra tomada desde la Luna. Esas fotos cambiaron la vida de la gente.

    -¿Le cambió en algo la vida ser finalista del premio Pulitzer?

    -No me cambió en nada, sólo me trajo más peso. Porque el tema es que después de esas cosas hay que seguir trabajando y ahí es un peso.

    -¿Cómo analiza esta política de los gobiernos de Estados Unidos e Inglaterra, e incluso de algunos medios de comunicación, de evitar imágenes de muertos y cadáveres en casos de atentados y desastres?

    -Es un error terrible. No sólo se oculta información, sino que además genera el debate entre la gente que se pregunta por qué le ocultan cosas. En cambio, es diferente si se muestran las cosas tal cual son y nada se esconde. Ya pasó con la guerra del Golfo, que se tapó tanto la información que incluso hoy es difícil encontrar fotos de soldados americanos muertos. Y ahora eso vuelve a pasar y la gente se está preguntando por qué.

     

     

    TALLER DE FOTOGRAFIA EN CUBA

     

    FOTOGRAFIA EN CUBA

    El Fondo Iberoamericano de Fotografía
    y
    El Centro Cubano de estudios Martianos,

    En colaboración con el Fondo Cubano de la Imagen Fotográfica;

    Abren su convocatoria a los interesados en participar en el seminario de “ fotoperiodismo urbano” que tendrá lugar en la Habana, Cuba, del 31 de  octubre al 4 de noviembre del 2005.

    El taller tiene una duración de cinco días  y será impartido por los más prestigiados fotógrafos y periodistas de la isla. Al final del taller, se extenderá diploma con reconocimiento internacional a nivel de educación superior y validez curricular.

    Las fotografías realizadas durante el taller serán exhibidas mediante

    Exposiciones en diversas  galerías de la Habana con el apoyo y difusión del fondo cubano de la imagen fotográfica

    Informes e inscripciones:   Isabel Mejia.
    Fondo Iberoamericano de Fotografía
    seminariofoto@yahoo.com 

    Fondo Iberoamericano de Fotografía
    Calle caimito#55 mna.24 sm. 25
    c.p. 77500, Cancún, Quintana Roo México

     


    Exposición hecha en Guatemala
     por el colombiano Jorge Restrepo
    en un mercado popular

    Apreciados artistas amigos:
    Tengo el gusto de enviarles la invitación de mi próxima exposición individual. Expondré los días 30 de septiembre y 1 de octubre en el mercado público de Tegucigalpa, mezclando mis pinturas en el entorno del mercado.

     En esta ocasión el Museo del Hombre Hondureño se tomará el mercado a la vez que como artista me apropio de los puestos de frutas para convertirlos en instalaciones donde los vendedores, el público que “anda de compras” y por supuesto las frutas son parte integral de la obra.  Las pinturas son acrílicos sobre lonas, colgando como pendones en diferentes puestos de venta.   Las obras son abstracciones de diversos componentes del mercado, incluyendo los colores de las frutas y la vida misma de ese ambiente.

     La exposición pretende acercar el arte contemporáneo a una mayor masa de público, reconocer los espacios públicos como lugares de gran riqueza cultural, invitar al Museo a romper las barreras de las salas tradicionales de exhibición y por último, atraer a la población que no llega al mercado público, a este dinámico nicho de la ciudad.

     Comparto con ustedes la satisfacción por el logro de esta exposición, que constituye la primera vez que en Honduras el Museo sale a la calle para presentarse en un espacio público popular.  Durante la exposición los pendones del museo estarán ocupando la atención en las entradas de “El Mayoreo”, el mayor mercado de abasto de Tegucigalpa.  La obra es curada por el crítico de arte Carlos Lanza.

     Con aprecio,
    Jorge Restrepo
    www.jorgerestrepo.com

     

    13 de mayo de 2003

    Entrevista al fotógrafo Sebastiao Salgado

    El mundo en blanco y negro

    El economista Sebastião Salgado abandonó su profesión en los años 70 para dedicarse a su recién descubierta pasión. Desde entonces, puede decirse que es el fotógrafo de los desfavorecidos. Su cámara ha servido para captar imágenes que han dado la vuelta al mundo. Escenas terribles de las consecuencias de la pobreza, de la injusticia y de la insolidaridad. Las mismas en cualquier lugar del mundo.

     

     

    Carolina Fernández
    Revista fusión


    "La democracia ahora mismo está más amenazada que nunca por el poder casi totalitario del sistema financiero global"

    "La solidaridad y la idea de comunidad hoy es lo principal para mí. Vivimos en comunidad y tenemos que comportarnos como animales comunitarios que somos"

    "Lula no ha llegado al poder surgiendo de la nada. Hay una base muy fuerte, por eso pienso que realmente es sólido lo que puede conseguir"


    Brasil, India, Mozambique, Zaire, Hong Kong, Sudán, Indonesia, Tanzania. En todas sus imágenes el protagonista es común. El hombre. En cualquier lugar del mundo se puede contar la misma historia. La pobreza. El hambre. La huida. La injusticia. La emigración. La ausencia de futuro y de esperanza.
    Sebastião Salgado nunca usa flash ni toma fotografías en color. Con su Leica al hombro, prefiere el silencio del blanco y negro para reflejar lo que siente al contemplar una imagen. Espera que quien visite una de sus exposiciones, regrese a casa, al menos, un poco transformado.
    -¿Cuándo empezaste a dedicarte de manera profesional a la fotografía? ¿De qué manera influye tu formación económica en el enfoque social que le das a tus trabajos?
    -A principios de los 70 mi mujer se compró una cámara para sus proyectos de arquitectura. A partir de entonces la fotografía entró en mi vida de una manera brutal, tanto que pensé en dejar realmente todo. Lo hice en 1973. Abandoné la economía, que había estudiado siempre dentro de las ciencias sociales, para dedicarme a la fotografía. Claro que viniendo de un país con tantos problemas como Brasil, y con una trayectoria militante en la izquierda muy fuerte, el día en que me metí en la fotografía, necesariamente yo salí en dirección a la fotografía social. La base de la economía me ha dado una ayuda muy fuerte para hacer los análisis, elegir a dónde voy y los temas que voy a trabajar.


    -Tu fotografía ¿mueve de alguna forma a la rebeldía?
    -No creo que mis fotos muevan a la rebelión de ninguna forma. Mis fotos solas no son nada, absolutamente nada. Pero mis fotos con todo un sistema de información, con un grupo de organizaciones humanitarias que trabajan con ellas, utilizadas por instituciones, sí. Juntos podemos hacer algo.

    -De todos tus trabajos ¿cuál consideras más optimista?
    -En fotografía hay un trabajo que terminé el año pasado y que va a salir publicado en un libro, sobre el fin de la poliomielitis en el mundo. Dentro de cuatro o cinco años no habrá más poliomielitis en el planeta. Yo trabajé en India el año pasado. Hace diez años en India había doscientos mil casos de polio al año, este año pasado tenían menos de cuatrocientos casos. Es fabuloso.

    -¿Qué nuevos campos vas a explorar próximamente?
    -Posiblemente mi fotografía la voy a orientar a partir de ahora en dirección a la naturaleza, a la denuncia de situaciones, un poco ligada al desarrollo sostenible y a la recuperación ambiental. Voy evolucionando dentro del movimiento social del que formo parte. Yo creo que así ha sido siempre mi fotografía.

    -En Brasil, la llegada al poder del Partido de los Trabajadores, de Lula, parece que trae una nueva esperanza, tanto para el país como para la izquierda en general.
    -No creo que vayamos a tener unas reformas radicales. Para mí Lula no es un iluminado que llegó empujado por un movimiento popular instantáneo. Ha sido un proceso muy a largo plazo. Se ha tardado más de 30 años en crear el Partido de los Trabajadores y llegar al poder. Yo creo que las cosas se harán a través de muchas reformas y de muchos cambios en las leyes y en los comportamientos.

    -¿Será posible para Lula llevar realmente a cabo una política basada en la solidaridad? ¿Será capaz de hacer frente a las presiones externas, especialmente de Estados Unidos?
    -EE.UU. está en una posición que necesita calmar las cosas en América Latina, por eso no creo que vayan a presionar a Brasil, ni a Europa tampoco. Además, la propuesta de Lula es una propuesta de distribución de renta, que va a crear consumidores, que va a ofrecer una base de desarrollo para la industria, por eso no veo una gran resistencia externa. El problema va a estar dentro de Brasil, principalmente con el sistema financiero brasileño, porque es un sistema muy mal acostumbrado a recibir unos beneficios fabulosos. Para hacerse una idea, el año pasado la productividad del sector agrario no llegó al 1%, el sector servicios e industrial no llegó al 2%, mientras que en el sistema financiero, principalmente en el sector bancario, la productividad ha sido del 22%.
     De modo que para mí el problema va a venir de ahí. Si se llegase a organizar una coexistencia pacífica con este sistema y regular este sector, yo creo que tendríamos la oportunidad de crear realmente un país.

    -El modelo de agricultura, que empobrece a los campesinos, deberá dar un giro importante.
    -Sí. En Brasil la agricultura es una agricultura del negocio agrario, de gran volumen de dinero, de gran superficie de tierra. El desarrollo rural brasileño ha ido hasta ahora en esa dirección. Yo creo que con Lula las reformas van a ir dirigidas hacia la redistribución de renta, y la propiedad de tamaño familiar. Es más o menos la lucha del movimiento de los Sin Tierra. Uno de los objetivos es evitar el éxodo rural en Brasil, que ha sido brutal en los últimos años. En 35 años hemos pasado del 80% de población rural al 80% de población urbana. Este cambio en la política podría favorecer el regreso de población al campo.

    -¿Qué perjuicios ha causado en Brasil este modelo de agricultura intensiva?
    -Lo peor de la agricultura intensiva es que son muy pocos propietarios, muy ricos, con enorme concentración de renta. La mano de obra es una categoría de trabajadores temporales contratados por intermediarios, de manera que la hacienda no tiene ningún tipo de compromiso empresarial con ellos. Es terrible, porque no es sostenible ni ecológicamente ni socialmente. Son deformaciones dentro de un modelo de exportación de monocultivo que lleva a una destrucción de la naturaleza y una deformación del comportamiento social.
    Brasil necesita muchas divisas para equilibrar su balance comercial, y la agricultura intensiva está fundamentalmente orientada hacia la exportación, dentro de una lógica de economía global, no una lógica para la economía brasileña.

    Pero esto no es verdad sólo para Brasil. Es algo que hay que cambiar en este planeta.

    -La tierra en manos de unos pocos.
    -Sí, pero hoy estas empresas ya no pertenecen a terratenientes, sino que pertenecen a los bancos, empresas de grandes capitales. Cuando hablamos de una hacienda grande en Brasil nos referimos a unas 80 mil hectáreas. Es como una provincia entera aquí en España. Son empresas de centenas de millones de dólares. Los grandes terratenientes tradicionales de Brasil, dueños de los latifundios, son cosa del pasado.

    -Brasil es una referencia en la lucha antiglobalización. ¿Qué supondrá el hecho de que el próximo año el Foro de Porto Alegre se celebre en otro lugar?
    -Se celebrará este año en la India, pero volverá en años alternos, porque es necesario tener una base semifija. Pienso que los dos años en Brasil han sido necesarios para afianzar el principio de este movimiento, y hoy yo creo que los resultados han sido muy interesantes. Todo el movimiento antiguerra, por ejemplo, ha sido una idea básica lanzada en Porto Alegre y coordinada a partir de las instituciones que allí se crearon.
     Está siendo muy interesante lo que pasa en Brasil hoy. El movimiento de los Sin Tierra es una referencia fabulosa, pero también hay otras cosas muy interesantes, los Sin Techo en las grandes ciudades; todos los grupos que estamos luchando por la recuperación ambiental, etc. Lula no ha llegado al poder surgiendo de la nada. Hay una base muy fuerte, por eso pienso que realmente es sólido lo que puede conseguir.

    -¿Que piensas de todo el movimiento social global contrario a la guerra?
    -Me parece muy interesante este movimiento planetario anti-violencia, anti-guerra. Es muy fuerte que países considerados como grandes aliados americanos, como Turquía, den la sorpresa general y no permitan la penetración de fuerzas americanas dentro de su territorio; que en un país como España, el gobierno imponga una posición, que no es la que quieren los españoles; que Inglaterra, cuya población también está contra la guerra, mantenga una postura de aliado tradicional de Estados Unidos que está haciendo explosión dentro del mismo partido... Todo lo que está sucediendo es una definición.
    También se está definiendo el gobierno americano, al atacar sin la autorización de las Naciones Unidas, lo que le está llevando al aislamiento.

    -¿Qué cambio de valores hace falta de cara al nuevo siglo?
    -Si yo tuviera que elegir una cosa, sería la solidaridad y la idea de comunidad. Hoy es lo principal para mí. Es la idea de que vivimos en comunidad y tenemos que comportarnos como animales comunitarios que somos. Para mí es crucial. Además de eso, tenemos que descubrir el debate. Yo creo que estamos entrando en un momento fabuloso de la humanidad, y que desde Porto Alegre el diálogo es una variable importantísima dentro de este modelo. Hoy se ve en Europa el debate que se está generando a través de las manifestaciones. Hemos recibido durante mucho tiempo unas imposiciones, un punto de vista preestablecido, pero hoy yo creo que hay un cuestionamiento global a todas las cosas. Posiblemente así podamos llegar a la verdadera democracia, porque ahora mismo está más amenazada que nunca por el poder casi totalitario del sistema financiero global, y por el aparato militar brutal que hay en Estados Unidos.

    -Has estado trabajando recientemente en España. ¿Qué opinión te merece el momento que vive nuestro país ahora?
    -España para mí está viviendo un momento muy fuerte. Es un país que quedó muy rico, millonario. Veo la cantidad de plata que hay aquí y me deja paralizado. Por ejemplo, el Banco Bilbao Vizcaya llega a Brasil y compra el banco del Estado de San Pablo, por billones de dólares. Hace veinte años esta plata no existía, ¿de dónde ha salido? Este es el sistema financiero que hemos creado. Hemos hecho una transferencia de toda la riqueza que tenía todo el planeta, a ese veinte por ciento de arriba, del norte, que lo ha concentrado todo. Toda la humanidad trabaja pero la riqueza sólo se concentra en algunas partes.
    Por otro lado, es un momento que yo creo que más que nunca necesita un debate, que está llegando. La experiencia que yo he tenido recientemente en Valencia es muy interesante. La cantidad de propuestas alternativas es muy grande, muy fuerte, así como el número de jóvenes organizados en la cultura, teatro, movimientos de calle, debates públicos. La necesidad de discusión va aflorando de una manera increíble. Es la semilla que ha sido plantada y hoy tiene el terreno propicio para crecer. En este país, que ha pasado tantos años bajo una dictadura brutal, yo creo que va a aflorar algo muy, muy interesante. ?

    Algunas obras publicadas: Otras Américas * Sahel, el fin del camino * Workers (Trabajadores) * Migrations (Migraciones) * The children (Niños) * Terra.

     

    Colección Bettman

    Esta vasta colección tuvo su origen en 1935, cuando Otto Bettman escapó de Alemania nazi con dos enormes baules llenos de fotos. Bettmann siguió coleccionándolas durante la posguerra hasta llegar a contar con una selección de más de 17 millones de fotos. Durante años las imágenes de esta colección fueron usadas y reproducidas en toda clase de publicaciones, archivos y documentos para toda clase de fines. Muchas de las fotos más famosas pasaban de mano en mano sin cesar y eran sometidas a toda clase de abusos y malos tratos. Lógicamente algunas se deterioraron, unas quedaron inservibles y otras más se han perdido. Además, la colección completa ha sido objeto de las inclemencias del tiempo debido a que se conserva en archivos convencionales en un edificio en Broadway y la calle 20 de Nueva York. Sin duda, la decadencia natural y los malos tratos hubieran terminado por destruir una gran parte de la colección.

    En 1995 Bill Gates, uno de los hombres más ricos del mundo y fundador de Microsoft, llegó al rescate de la colección Bettmann, por lo que la adquirió y la sumó a sus otros archivos fotográficos: el de UPI que consiste en 10 millones de fotos que pertenecían a los diarios de Hearst, al Chicago Tribune, a Scripps y al Daili News; el de la agencia parisina Sygma que tiene 30 millones de imágenes, especialmente de noticias de fondo y celebridades, desde la década de los setenta hasta ahora, así como un archivo de fotos del siglo XIX; y el de la agencia neoyorquina Saba Press que cuenta con otro millón más, especialmente de noticias del mundo, economía, sociales y retratos recolectados desde 1989. Estas colecciones fueron agrupadas en lo que hoy se conoce como el archivo Corbis (c), un inmenso compendio de historia visual del siglo XX, que además de los archivos mencionados antes, también incluye a Corbis Outline, que se especializa en fotos artísticas de personalidades; Corbis Sharpshoors, que se enfoca en estilos de vida, naturaleza, sociedad y Corbis TempSport, que cuenta con más de dos millones de fotos de eventos deportivos.

    Gates pensaba integrar el archivo Corbis de alguna manera a su imperio de software, tal vez como parte de su enciclopedia Encarta, pero obviamente no tenía muy claro cómo haría dada la magnitud del archivo. Corbis es la colección más amplia del mundo y sus imágenes son obra de diversos artistas, reporteros y aficionados como: Ansel Adams, Yann Arthus-Bertrand, Douglas Kirkland, Robert Holmes, Galen Rowel, David and Peter Turnley, Michael Yamashita, Mark Seliger, Michael O’Neil. Estas fueron obtenidas de museos e instituciones culturales como la National Gallery de Londres, el museo de arte de Filadelfia y el Museo de Hermitage, asi como de colecciones públicas y privadas: Christie’s, Hulton-Deutsch y Brett Weston.

    Con la idea de preservar la colección por mil años, el archivo Corbis comenzará a ser mudado a una mina en Iron Mountain/National Underground Storage en Pensilvania, donde será preservado a unos 60 metros bajo tierra, en una bóveda refrigerada de 9 kilómetros cuadrados con atmósfera controlada (-4º F y 35% de humedad relativa), protegida de huracanes, terremotos, ataques nucleares y lejos del alcance de manos y ojos ajenos. Esto impondrá nuevos estándares a la preservacion de las imágenes de museos, archivos y galerías. La mudanza de Corbis terminará en el invierno del 2002. Las condiciones de este archivo son las ideales para conservar la base de acetato de celulosa usada en la gran mayoría de las fotos, así como algunas tintas que son extremadamente inestables. Los efectos del deterioro existente no pueden ser revertidos, aunque sí detenidos, pero el daño de las fotos puede ser eliminado en las imágenes digitalizadas, además que las fotografías pueden ser en teoría «mejoradas» al reducir el grano, corregir los colores, ajustar el enfoque, borrar defectos y corregir el encuadre, lo cual es equivalente a colorear las viejas películas en blanco y negro. Esto podrá dar como resultado fotos de alta calidad pero es una manera sutil de falsificar la historia.

    Originalmente Gates se propuso digitalizar las más de 65 millones de imágenes en su posesión pero al llegar a 225,000 (menos del 2% del total) el trabajo de escaneo y digitalización (con un costo de 20 dólares por foto) fue detenido; el personal a cargo del proceso fue despedido (79 empleados) y el proyecto abandonado ya que a ese ritmo hubiera tomado 25 años en terminarse. Actualmente Corbis anuncia en su página de la web que cuenta con más de dos millones de imágenes en línea. Supuestamente una vez que termine la mudanza el archivo podrá recibir solicitudes de cualquiera de sus imágenes; aquellas que no estén en formato digital serán descongeladas y escaneadas, las copias digitales serán vendidas y enviadas al solicitante y los originales volverán al refrigerador.

    Tomado de la revista Luna Cornea

     

     
    REEDICIÓN AMPLIADA DE SEBASTIÂO SALGADO  
    Miradas que perturban

    László Erdélyi

    SI A ROBERT CAPA le cabe con justicia el título de "maestro muerto" de la fotografía contemporánea, no menos justicia se hace al catalogar a Sebastiâo Salgado como un "maestro vivo". Brasileño, economista devenido en fotógrafo de fama mundial, su cámara se ha empeñado en registrar en los últimos 20 años lo que él llama un "planeta dividido. El primer mundo en una crisis de exceso, el tercer mundo en una crisis de necesidad".

    En estas dos décadas publicó varios libros entre quienes destaca Trabajadores: Una arqueología del trabajo industrial, traducido a 8 idiomas y con cientos de miles de copias vendidas. Es una carrera signada por una ética fundamental: dar voz a quienes no la tienen, ya sea por su condición cultural, económica, o por estar sufriendo el desplazamiento, el hambre y la violencia. El primer trabajo de este proceso fue Sahel, una crónica de los años ‘80 de las grandes hambrunas africanas de Chad, Mali, Etiopía y Sudán, que provocó millones de muertos y que el mundo conoció en la figura estereotipada del niño desnutrido con barriga hinchada, imagen predilecta de los medios masivos de prensa de la época. Dicho libro fue primero publicado en España en 1988, y luego en Francia, pero nunca en Estados Unidos. El país más rico del mundo, que incluso envió tropas y vivió una mini guerra en Mogadiscio para terminar con esas hambrunas (Black Hawk Down, film dirigido por Ridley Scott), veía las fotos de Salgado como demasiado duras y deprimentes. No las quería ver.

    Veinte años más tarde, la Universidad de California hace justicia y publica por primera vez en habla inglesa el libro Sahel, con más fotos que en el original (muchas de ellas inéditas), y textos actualizados de Orville Schell, Fred Ritchin, y el uruguayo Eduardo Galeano. El texto de Ritchin resulta revelador, pues relata con lujo de detalles cómo la sociedad norteamericana evitó en estos últimos años la difusión de esta obra en su propio país.

    HAMBRE Y DIGNIDAD. La culpa la tuvo una pavorosa sequía, originada —según una teoría— por emanaciones industriales del Primer Mundo que provocaron drásticos cambios climáticos. Ayudaron también las guerras tribales de esos países, empobrecidos y brutalizados por los Señores de la Guerra locales. Con ese panorama político, cualquier ayuda perdía eficacia. Resultado: los niños, mujeres y hombres muertos están bien muertos, y fue poco lo que se hizo para evitarlo.

    La crónica de Salgado golpea en varias direcciones. Es como una bomba de fragmentación. El brasileño decide romper con el estereotipo, las ya mencionadas fotos de niños con barriga hinchada, o los primeros planos de rostros con moscas posando en labios y ojos sin que nadie o nada las espante. Esas imágenes hablan de una realidad lejana, de seres distintos, diferentes. Es el otro, y punto. Por eso Salgado va más allá y busca contar historias que acerquen, tratando de mostrar toda la complejidad de una cultura, la persona detrás del estereotipo. "Eran seres humanos, tan humanos como el que más, dignos hasta en la muerte" escribió Panta Astiazarán. Carecen de todo lo material, de aquello ‘imprescindible’ para cualquier ciudadano occidental. Y sin embargo sus miradas no inspiran lástima; son ojos a veces desafiantes, otras veces serenos, pero siempre calmos.

    Esa mirada es la que resulta intolerable para muchos occidentales. No temen que se los haga sentir culpables tanto como que Salgado les revele la falta de dignidad de su propio mundo materialmente abundante. "Son fotos negadas de muchas maneras" explica Ritchin. Su crónica de cómo intentó "vender" a Salgado en Estados Unidos es reveladora. Recuerda cómo, hace veinte años, mostraba el material en estudios fotográficos, museos o editoriales. "Yo estaba cautivado por esas imágenes de gente muriendo de hambre, y por su extraordinaria actitud para enfrentar a la adversidad" cuenta Ritchin. "Un joven agente literario lloró mientras miraba las imágenes, pero concluyó que nadie publicaría un trabajo tan deprimente". También estaba el director de un museo "que, habiendo encontrado también a las fotografías muy deprimentes, me llamó años más tarde enojado porque le había dado las fotos a otro museo que sí las mostró en medio de una retrospectiva de toda la obra del fotógrafo". En medio de una retrospectiva eran fotos más "tolerables", más cómodas.

    TREINTA MIL NEGATIVOS. Salgado realizó este proyecto a pedido de la organización humanitaria Médicos Sin Fronteras, una ONG con presencia en esa zona africana. El mundo ignoraba semejante tragedia, y había que mostrarla en su real dimensión. Fueron cuatro meses, treinta mil fotografías, y días "en que no podía fotografiar, sólo llorar" declaró a la revista Veja. Definido por muchos como un activista con cámara al cuello, cuando la lente de esa cámara busca elementos y los ordena dentro del encuadre provoca cosas. Y en el caso de Salgado provoca demasiado, porque es "el fotógrafo que más ha explorado en forma amplia e insistente la vida de las mayorías desplazadas, creyendo en la dignidad y la generosa humanidad de los marginalizados. Sus imágenes reacomodan jerarquías, ubicando en el centro a aquellos a quienes se les niegan las ventajas materiales" agrega Ritchin.

    Son imágenes demasiado bellas en la inminencia de la muerte. Por eso asustan. l

    SAHEL de Sebastiâo Salgado. The University of California Press, 2004. 152 páginas con 88 fotografías en duotono (blanco y negro).

    Nota: Un artículo de tapa dedicado a Sebastiâo Salgado, firmado por Panta Astiazarán, se publicó en El País Cultural No. 271

     

    20 Marzo 2005

    FALLECIO  EL  FOTOGRAFO y MAESTRO  WALTER  REUTER
     


    El dia de hoy,  Domingo 20 de Marzo de 2005
    a la edad de 99 años, fallecio el maestro Walter Reuter
    en la Ciudad de Cuernavaca Morelos, Mexico.

    Todos aquellos que tuvimos la fortuna de compartir sus eneñanzas, su obra y su amistad
    nos unimos a la pena de su hija Hely  y a la de sus familiares y amigos.

    Walter Reuter sera velado en la agencia Gayosso de Cuernavaca.

    Descanse en paz el maestro y  amigo de tantas generaciones de fotografos.

    Recordamos el momento en que Walter Reuter recibio de la 3a. Bienal de Fotoperiodismo
    el Premio  Espejo de Luz 1998

    WALTER REUTER

     

    La Bienal de Fotoperiodismo otorga cada dos años el premio "Espejo de Luz"
    a fotógrafos destacados  que entregan su vida al periodismo gráfico
    y que con su obra han legado una herencia valiosa para la cultura y las nuevas generaciones.

    En la tercera bienal 1999 el premio "Espejo de Luz" lo recibió Walter Reuter,
    fotógrafo de origen alemán que a través de una existencia rica en aventuras y luchas  por la libertad
    en contra de la dictadura fascista, escoge a México como nueva patria para continuar
    su carrera y crear imágenes de gran belleza y contenido.

    En 1942, con una camara prestada,
    llega a México desde el puerto de Casablanca en el norte de Africa,
    para iniciar una nueva y permanente etapa de su vida periodistica.

    Transcurrieron desde entonces largos años de creatividad como fotografo,
    periodista y camarografo  del cine mexicano  entregado a su tema preferido:
    la vida y costumbres de los indigenas..
     
    Nuestro reconocimiento, a traves del premio "Espejo de Luz" 1998,
    a la vida y la obra de Walter Reuter, talentoso maestro de varias generaciones,
    apasionado de sus convicciones, miliciano de la fotografia,  
    promotor de la cultura y amigo de las causas justas.

    El Consejo Consultivo de la 3a. Bienal de Fotoperiodismo
    Abril 1999

    BIENAL DE FOTOPERIODISMO MEXICO

    ESPEJO DE LUZ
    http://www.fotoperiodismo.org


     


    A nombre del Consejo Consultivo
    Patricia Mendoza

    Directora de SUL